李伟铭

在关于中国画艺术的种种误解中，最深的误解莫过于认定水墨写意画才是真正的“国粹”。

其实，至少迄于唐宋，在中国画坛扮演“主角”者一直是色彩之作。除了文献记载，流传有绪的杰作和近年陆续出土的墓室壁画，均无可置疑地支持这一判断。

虽然，唐宋以后，“水墨为上”成为历代嬗递不爽的癖好，但返观历史，文人墨戏毕竟无法遮蔽中国画艺术色彩璀璨的云霞。于是，类似“礼失求诸于野”，学习东瀛岛国的经验，在二十世纪初叶曾一度成为时尚，在最近的展览会中还可以看到，向色彩厚涂的日本风格靠拢，已经成为某些渴望出奇制胜的中国画家心照不宣的选择。

林风眠曾强调，真正的杰作是情绪与理性平衡的产物。相对于逸笔草草的水墨写意画而言，表面上看来，工笔重彩画更强调理智监控的制作技巧，可能也正是这一点，掩盖了艺术家在驾驭这一样式的时候，同样需要灵感、激情的贯注。

作为一种长期作业，在精雕细琢的过程中，如何始终保持饱满的创造激情的诗意的感觉，对许多从事工笔重彩创作的艺术家来说，并不是一个很容易解决的难题。林若熹在暨南大学艺术中心展出的四件新作，在这方面为我们提供了成功的范例。

千锤百炼的造型、构图，一丝不苟的笔触、线条，富于音乐美感的韵律节奏，传统的矿物质颜料和传统的色彩薄涂法，三矾九染，贴金，泥金……，以不断累积的方式，将绘画语言提升到异常单纯明净的境界，由技而进乎道一这四件作品，再次显示了林若熹独特的艺术气质和出类拔萃的才华。

我们所处的是一个传统的价值形态普遍受到挑战的时代，追奇逐异，已使“速效”与“速朽”成为完全等值并被普遍认同的概念。作为一个智者型的艺术家，林若熹的选择也许难以汇入新世纪艺术时尚的主流，但谁能否认，他对古典艺术睿智的诠释，也正是传统的艺术精神得以延续和发展的理由之所在呢！

（李伟铭：广州美术学院研究员）